Categoría: Sin categoría Página 3 de 10

Tengo en mi biblioteca un Breviario editado por el Fondo de Cultura Económica, publicado en México en 1957. Su autor, Herbert Read, trata de la función del arte en el desarrollo de la conciencia humana. Un asunto que me llamó la atención en su momento y que pude adquirir en la mítica librería y galería de arte Libros, de Zaragoza. Para mí, una joya de ensayo.

Ya en el prefacio su autor cita a Cassirer. El arte, el mito, la religión, el conocimiento, “todos viven en mundos especiales de imágenes, que no sólo reflejan lo empíricamente dado, sino que más bien lo producen de acuerdo con un principio independiente”. Y añade Read que las imágenes, una vez creadas, son eternas o cuando menos duran mientras tengan agudeza sensorial. Pero mucho depende de nuestra habilidad para crearlas y de su resistencia, que es ciertamente lo que implicamos con la palabra “progreso” en el mundo de las ideas, pero las aprehendemos en la contemplación de las imágenes.

En el genial universo de Goya hay un cuadro, “La última comunión de san José de Calasanz”, que me sirve de ejemplo más que adecuado para reflexionar sobre la cuestión. Goya fue en su infancia alumno de las Escuelas Pías, -fundadas por el santo Calasanz- y no cabe duda de que sería indeleblemente señalado en su espíritu por la figura y la obra del fundador. A esa pintura me remito: basta contemplarla con un poco de atención y el espectador quedará atrapado completamente. Es obra de plena y absoluta madurez, de momento álgido en la actividad creativa, de coincidencia en el tiempo con las famosísimas pinturas negras. Y es sobre todo una pintura de complejidad formal, y demostrativa de la capacidad real para la creación de imágenes con agudeza sensorial.

Ultima comunión de san José de Calasanz Oleo / lienzo. 250 x 180 cm. Francisco de Goya, 1819 Museo Calasancio. Madrid

Cuando ya en un momento decisivo de su vida, a avanzada edad y con gran experiencia y conocimiento recibe el encargo de pintar este cuadro, Goya se plantea en toda su extensión el asunto y alcanza a reflejar, con admirable vibración, el muy notable cariño que trasluce.

El arte es el instrumento esencial en el desarrollo de la conciencia humana. Son palabras de Conrad Fiedler, cuya importancia como filósofo del arte llevan más de medio siglo de reconocimiento en su Alemania natal. Y la conciencia de Goya sobrepasaba con mucho el limitarse a intentar una interpretación únicamente de devoción, insípida y para salir del paso. Ante un encargo de envergadura (tanto por el tamaño del cuadro como por su destino para un altar mayor) Goya quiso y supo ser mas celeste y menos terreno, pues resulta evidente que Goya era un ser espiritual, lleno de afectos humanos y también superiores.

No se trata por tanto de mostrar una ilusión, ni siquiera la ilusión de lo real, sino de representar la realidad de la conciencia misma, la realidad subjetiva. En las fronteras del yo el área de la conciencia no tiene límites espaciales o temporales. Y a la manera de San Agustín en sus Confesiones, Goya y su penetración psicológica captan el problema implícito en la tarea de hacer de la propia vida interior algo inteligible y creíble para otros hombres.

Buen planteamiento, desde luego, para cumplimentar un encargo que sin la menor duda tanto le complacía, que le proporcionó la gran alegría de intentar hacer una pintura que lograrse ser espejo para otros, ser objeto de atenciones y ser él mismo imitado y admirado y testigo para la posterioridad, ejemplo, modelo y elemento útil para otros seres sensibles. ¿Y cómo no serlo, cómo no alegrase inmensamente si pudo llegar a ser la voz de quienes claman en silencio al corazón de todos? ¿Cómo no alegrase de poder transmitir sentimientos elevados? ¿de ser el vehículo elegido por los frailes que le educaron para ser él, precisamente él, el encargado de mostrar al mundo la sublime belleza de la verdad de un santo postrado en su totalidad ante la Eucaristía, precisamente en el día de su muerte?. Sí, la última comunión de Calasanz antes de pasar a un estadio superior. De encontrar la paz última y definitiva delante de todos aquellos a quienes más quería en el mundo. Sus hermanos en la orden, sus alumnos y sus creencias más profundamente sentidas. A Goya se le ofrece transformar lo místico en arte y para lograrlo va a presentar una faceta externa de la realidad interna de Calasanz.

Goya logra salir airoso de semejante reto y consigue finalmente pintar este cuadro en el estado emocional que buscaba con tanto ahínco y traducir formalmente ese mundo interior del sentimiento. Un cuadro cuya imagen sigue hoy siendo eterna y resistiendo con la misma agudeza sensorial que en aquel lejano y decisivo 1819.

 

Gonzalo de Diego

 I have in my library a Breviary, edited by the Fondo de Cultura Económica, published in Mexico in 1957. Its author, Herbert Read, writes about the function of the art in the development of human consciousness. An issue that struck me at the time and that could acquire at the legendary library and gallery of art Libros in Zaragoza. For me this is a gem of essay.

In the preface the author mentions Cassirer. Art, myth, religion, knowledge, «all live in special worlds of images, which reflect not only the empirically given, but that rather they produce in accordance with an independent principle». And Read adds the images, once created, are eternal -or at least they last as have sensory acuity-. But much depends on our ability to create them and their strength, which is certainly what we get involved with the word «progress» in the world of ideas, but we grasp them in the contemplation of the images.

On the great universe of Goya is a painting, ‘The last communion of St. José de Calasanz’, that I use as more than adequate sample to reflect on the question. Goya was in its infancy a student of the Escuelas Pías -founded by Saint Calasanz- and there’s no doubt that would be indelibly marked in his spirit by the figure and work of the founder. I refer to this painting: just look at it with some attention and the viewer will be caught completely. It is a work of full and absolute maturity, peak in the creative activity of coincidence in time with the very famous black paintings. And it is especially a painting’s formal complexity, demonstrative of real capacity for the creation of images with sensory acuity.

Last communion of St. José de Calasanz Oil on canvas.     250 x 180 cm. Francisco de Goya, 1819 Calasancio Museum. Madrid, Spain

When already in a decisive moment of his life, with and advanced age and with great experience and knowledge receives commissioned to this painting, Goya raises in his entirety the matter and reaches to reflect, with admirable vibration, the very remarkable love that comes through.

Art is the essential tool in the development of human consciousness. These are words of Conrad Fiedler, whose importance as a philosopher of art are more than a half century of recognition in his native Germany. And consciousness of Goya exceeded by far the limited to attempting an interpretation only of devotion, tasteless and out of step. A custom scale (both by the size of the painting and its destination for a high altar) Goya wanted and knew how to be more celestial and less earthly, because it is apparent that Goya was a spiritual, full of affection also superior and human being.

It is not about showing an illusion, nor even the illusion of reality, but to represent the reality of the same consciousness, subjective reality. At the borders of the self conscious area have no spatial or temporal boundaries. And in the manner of St. Augustine in his Confessions, Goya and his psychological penetration capture the issue implicit in the task of making own interior life something intelligible and credible to other men.

Good approach, of course, to complete an assignment that, without doubt pleased him, that provided the great joy of trying to make a painting that achieved success being mirror to others, be the object of attention and be him imitated and admired, and witness to posterity, example, model and useful resource to other sentient beings. And how not to be so, how not get immensely happy if you could get to be the voice of those who cry out in silence at the heart of all? How not to feel happy to get to transmit high feelings? To be the vehicle chosen by the friars who raised him to be him, just him, commissioned to show to the world the sublime beauty of the truth of a Saint ridden in their entirety before the Eucharist, precisely on the day of his death? Yes, the last communion of Calasanz before moving on to a higher stage. To find the ultimate and definitive peace in front of all those to whom he loved in the world. His brothers in the order, his students and his most deeply felt beliefs. It is offered to Goya transform the mystical in art and to achieve this will present an outer facet of the internal reality of Calasanz.

Goya achieves succeed of such challenge and gets finally paint this painting in the emotional state that sought so hard and formally translating that inner world of feeling. A painting which image continues today to be eternal and resisting with the same sensory acuity in that distant and decisive 1819.

Gonzalo de Diego

Si no estoy confundido, la National Gallery (NG) de Londres tiene entre sus fondos cinco excelentes cuadros de Goya. Tres retratos: el del pintor y coleccionista Andrés del Peral, el de Isabel de Porcel (pintado sobre otro retrato de un militar en uniforme) y el del Duque de Wellington. Y otros dos cuadros: “Un Picnic” y una escena de “El hechizado por fuerza” pintada para el duque de Osuna. Reconforta verlos allí expuestos y realzada su importancia como salidos de la mano de nuestro Francisco de Goya. Están colgados con toda dignidad y justeza, sin grandes alharacas ni pretenciosos excesos y se agradece la posibilidad de tenerlos tan cerca y paladear sus virtudes.

 

Retrato de Isabel Lobo Velasco de Porcel
Oleo 82 x 54 cm.
Francisco de Goya, 1804 – 1805
National Gallery, Londres

Pero no es precisamente de esto de lo que quiero escribir aquí. Para mí hay cuestiones que por elementales resultan evidentes y, por ello, no precisan ser demostradas. Basta observarlas y mirar con un poco de atención cómo hacen otros cuando observan, analizan y tratan el arte para que quienes no tenemos su finura intelectual, ni su nivel de conocimiento, aprendamos y sepamos concluir con cierta facilidad de manera que resulten útiles a nuestra formación personal y, si es el caso, para el beneficio de la sociedad en la que nos toca vivir.

Sabido es que los anglosajones son gente que “ve” muy bien el arte. Que lo estudia y analiza hasta el detalle y que sabe relacionar adecuadamente sus aspectos y matices. De ahí que prefieran la seriedad siempre y también para mostrarlos, antes que los llamados “blockbusters”, que en el mundo de las exposiciones son las que se conciben para hacer caja y mucho ruido mediático. Ellos están en un estadio cultural más desarrollado.

 

En este pasado mes de Abril hemos tenido ocasión de ver en nuestros cines un excepcional reportaje, de tres horas de duración y en versión original, sobre la citada NG. Realizado por el veterano Frederick Wiseman, sigue meticulosamente el sistema habitual de trabajo del cineasta norteamericano: pura observación, mostrando cómo son las cosas allí a través de una captura objetiva de imágenes, que tras el fundamental montaje, consigue un discurso subjetivo lleno de brillante inteligencia.

En su viaje al corazón del museo, que diría el crítico, visita minuciosamente “el lugar, la forma de trabajar, las relaciones con el mundo, el personal y el público, así como sus pinturas”. A lo largo de estos paseos por las galerías muestra la vida de la pinacoteca, sus programas educacionales y la vida íntima del museo. Y puesto que con todo ello hace “una profunda reivindicación de lo público, de la escuela de los museos”, creo que documentales como el que nos ocupa deberían ser de obligada visión no solamente para nuestros dirigentes culturales, -los auténticos y los sobrevenidos por la política o las finanzas- sino también para todos los políticos en general: véanse las reuniones sobre la administración de los presupuestos, la absoluta falta de egoísmos personales y la permanente búsqueda de argumentos que lleven inexcusablemente al beneficio global de la institución a la que, en cada puesto y en cada caso, se sirve y se representa.

 

Tomar conciencia de la importancia de lo que se lleva entre manos; de la gravedad de primer orden, de la indispensable profesionalidad en todos y cada uno de los puestos de trabajo y dirección. Que se puede hablar, y se habla, de todo (reunión marketing), en serio y reflexionando todas las propuestas.

Desde el auténtico profesional que restaura y realiza los marcos, pasando por el especialista en iluminación que conoce al dedillo cómo manejar la complicada estructura del ordenamiento lumínico para la perfecta visión de los cuadros, realzando la obra y evitando el menor perjuicio que el exceso pudiera causar; por el especialista laureado que sabe el porqué de las cosas, y el para qué de los medios que utiliza; la maravillosa conclusión de los especialistas en la restauración que alcanzan el dominio de la cuestión y que una vez conocido el resultado del más concienzudo de los estudios, toman la precaución de interponer un barniz perfectamente eliminable en su momento (si el futuro lo necesita o aconsejase de manera que la restauración sea la adecuada a los cánones actuales, pero que no impida aquello que en el futuro pudiera creerse mejor solución). Por cierto que a este respecto es muy interesante, en la actual exposición de van der Weyden en el Museo Nacional del Prado, observar cómo se sigue idéntico principio en la restauración del famoso calvario.

 

Virtudes y procedimientos, sistemas de trabajo que suponemos a la orden del día en todos los grandes museos internacionales que por el mundo son, aunque ignoremos la prueba fehaciente de que así sea en alguno de ellos.

Y muy importante: en el documental sobre la NG vemos que también hoy en día es necesaria, y se busca con fruición, la participación del gran público no solamente con su asistencia, sino en las decisiones y en los actos de los grandes museos, de las grandes manifestaciones culturales. Participación real en las exposiciones, grandes ciclos de conciertos, conferencias, publicaciones. Es el signo de los tiempos. Hacia ello vamos.

Este de la NG es un procedimiento de trabajo que recuerda al que hace un avezado jockey con la necesaria anticipación, unos centenares de metros antes de llegar a la meta. Ese “estar a la llegada” perfectamente bien colocado ya desde la última curva, para el momento decisivo. Sí, los británicos saben mucho de arte….. y de caballos. Y de relacionar acontecimientos, observaciones, objetos, cosas y sentimientos para mejor entender la vida y lo que el arte significa. Pero tampoco supone todo ello un gran misterio que pueda estar vetado a los latinos o los orientales, por poner otros ejemplos. Es más un sistema de trabajo, una meticulosidad en los procedimientos para los que, ni es impedimento la lengua ni la cultura de cualquier otro pueblo antiguo y bien preparado, y culturalmente predispuesto.

 

 

Pues bien. Vayamos a Goya. Si volviera a nacer, que es una frase recurrente, seguro que estaría encantado de ver cómo algunas de sus obras viven en la NG, son visitadas por 6,5 millones de espectadores (datos de 2014) en el segundo museo más visitado del Reino Unido y son cuidadas y ofrecidas de manera tan honorable.

 

Sin embargo Goya no se sentiría contento, y es triste, si viera cómo se ofrece su figura y su obra precisamente en la tierra que le vio nacer. En un país como España, que está por encima de sus verdades y en el que oficialmente se dice que la cultura genera marca, pero ésta es tan poco brillante. En su tierra natal, Zaragoza, el último año ha vivido un calamitoso camino lleno de errores, con dos exposiciones tipo blockbuster (la de hace un año y la de ahora mismo). Que entonces se inició torpe y provincianamente en lo amistoso paisano y que termina ahora bajo el paraguas del Prado y de su representante más calificada en lo goyesco. Alguien que afirma que el Prado no es el Museo de Goya, sino la Universidad de Goya y que sin embargo hoy da su visto bueno a algo que no siéndolo en absoluto, se califica de museo Goya con escándalo y no es siquiera un lejano amago de la universidad de Goya.

 

La gallina ciega
Oleo / lienzo  269 x 350 cm.
Francisco de Goya, 1789
Museo Nacional del Prado, Madrid

Rosario de errores y empecinamiento impasible en una ciudad cuyo mejor museo recibe 60.000 visitantes al año: es decir, la centésima parte que la NG en una ciudad que no es la centésima parte de Londres y que, además, dispone de obras de Goya como para conseguir números más importantes. Pero ¿verdaderamente no es esa centésima parte? ¿Acaso será por el desatino de una mala gestión? ¿Es que en Zaragoza no hay ansia de conocimiento? ¿ni capacidad de refinamiento? ¿tampoco deseo de mejora y perfeccionamiento? Que responda el contribuyente a las preguntas.

 

No, Goya no se sentiría contento. Estaría más bien estupefacto con lo apuntado más arriba, leyendo, viendo y oyendo cómo la primera autoridad cultural de la región, en una reveladora y muy cómoda mesa a tres (mas que redonda), afirma ingenuamente y sin rubor que: “Yo no sé de arte. Pero soy la responsable del arte” (sic). Estupendo.

 

Gonzalo de Diego

If I’m not confused, the London National Gallery (NG) has among its funds five excellent paintings of Goya. Three portraits: one of the painter and collector Andrés del Peral, the one of Isabel de Porcel (painted over another portrait of a soldier in uniform) and that of the Duke of Wellington. And other two paintings: «A Picnic» and a scene from “The Forcibly Bewitched» painted for the Duke of Osuna. It’s comforting to see them there exposed and enhanced its importance as come out of the hand of our Francisco de Goya. All of them are hung with all dignity and fairness, without large fussing nor pretentious excesses and the possibility of having them so close and taste its virtues is grateful for.

 

Retrato de Isabel Lobo Velasco de Porcel
Oleo 82 x 54 cm.
Francisco de Goya, 1804 – 1805
National Gallery, Londres

But it is not precisely about what I want to write down here. For me there are issues which by elementals are evident and, therefore, do not need to be demonstrated. Simply to observe them and pay a little attention to how others do when they observe, analyze and treat the art for which those who do not have their intellectual refinement, and their level of knowledge, we learn and know conclude with relative ease, so are useful to our personal training and, if this is the case, for the benefit of the society in which we live.

It is known that the Anglo-Saxons are people who “look” very good the art. That takes advantage of it and analyzes every detail and knows properly how to relate its aspects and nuances. This is the reason why they prefer seriousness always and also to show them, rather than the so-called «blockbusters«, known in the world of exhibitions those which are conceived to make money and much media noise. They are in a more developed cultural stage.

 

In this last month of April we have had occasion to watch in our cinemas an exceptional report, three-hour duration and in original version, on the aforementioned NG. Conducted by veteran Frederick Wiseman, meticulously follows the usual work system of the American filmmaker: pure observation, showing how things are there through an objective image capture, getting after a basic installation a subjective speech full of brilliant intelligence.

On his journey to the heart of the Museum -that would say the critic- visits thoroughly «the place, the way of working, relations with the world, the staff and the public, as well as its paintings». Along these walks through the galleries shows the life of the art gallery, its educational programs and the intimate life of the Museum. And since with all of this he makes «a deep claim of public, of the school of the museums», I think that documentaries like the one that concerns us should be required viewing not only for our cultural leaders -the authentic and the consequential from policy or finance -, but also to all politicians in general: see the meetings on the management of budgets, the absolute lack of personal selfishness and the permanent search for arguments that inexcusably lead to the overall benefit of the institution which, in every position and in every case, serves and represents.

 

Be aware of the importance of what is at hand; of prime order gravity, of indispensable professionalism at all and each of the jobs and management. That can speak, and is spoken, everything (marketing meeting), seriously and reflecting all proposals.

From the authentic professional that restores and makes frames, through specialist in lighting heart-knowing how to handle the complicated structure of the lighting system for the perfect view of the pictures, enhancing the work and avoiding the less damage that excess may cause; by the award-winning specialist who knows the reason of things, and for what the tools he uses; the wonderful conclusion of the restoration specialists who achieve mastery of the issue and that once known the result of the most conscientious of studies, take the precaution of bringing a perfectly erasable varnish in its time (if future need it or withholding so that the restoration is adequate to the current canons, but it does not obstruct that which in the future might think is best solution). By the way that to this respect is very interesting, in the present exhibition of van der Weyden in the National Museum of the Prado, to observe how identical principle is followed in the restoration of the famous Calvary.

 

Virtues and procedures, work systems which we suppose at the order of the day in all the major international museums that around the world are, even if we ignore the evidence it is in any of them.

And very important: in the documentary about the NG see also today is necessary, and seeks to with relish, the participation of the general public not only with its assistance, but in the decisions and acts of great museums, major cultural events. Real participation in exhibitions, great cycles of concerts, conferences and publications. It is the sign of the times. To do this we will.

This of the NG is a working procedure that resembles that makes a seasoned jockey with the necessary anticipation, few hundred metres before reaching the goal. That «be arriving» perfectly well settled already from the last curve, for the decisive moment. Yes, the British know a lot about art… and horses. And relate events, observations, objects, things and feelings to better understand life and what art means. But not all entails a great mystery that can be banned to Latins or easterners, to give other examples. It is more a working system, meticulousness in the procedures for what is not an impediment neither the language nor the culture of any other old people and well prepared, and culturally biased.

 

So, let’s go to Goya. If he was born again, that is a recurrent phrase, for sure that would be nice to see how some of his works live at the NG, are visited by 6.5 million viewers (2014 data) in the second museum most visited of the United Kingdom, and are maintained and offered so honourably.

 

However Goya would not feel happy, and is sad, if he saw how is offered his figure and his work precisely in the land where he was born. In a country like Spain that is above its truths and that officially is said that culture generates brand, but this is so lack of brilliance. In his homeland, Zaragoza, last year experienced a calamitous path full of mistakes, with two exhibitions type blockbuster (the one of a year ago and that of right now). That then began narrow-minded and clumsy in the friendly countryman and ending now under the umbrella of the Prado and its most qualified representative in the goyesco. Someone who says that the Prado is not Goya’s Museum but the University of Goya and that however today gives its approval to something that is not at all described as Museum of Goya with scandal and is not even a distant hint of the University of Goya.

 

La gallina ciega

Oleo / lienzo  269 x 350 cm.

Francisco de Goya, 1789

Museo Nacional del Prado, Madrid

Rosary’s mistakes and impassive insisting in a city which best Museum receives 60,000 visitors a year: i.e. the hundredth part than the NG in a city that is not a hundredth part of London and, in addition, has works of Goya to get most important numbers. But, truly isn’t that hundredth? Is it perhaps because the folly of mismanagement? Is that in Zaragoza there is not craving of knowledge? No refining capacity? Nor desire for improvement and perfection? Let the taxpayer answer these questions.

 

No, Goya would not feel happy. He would be rather flabbergasted with pointed above, reading, looking and hearing how the first cultural authority in the region, in a revealing and very comfortable table for three (rather than round), says naïvely and without blushing that: «I don’t know about art. But I am responsible for the art»(sic). Super.

 

Gonzalo de Diego

Hay cuadros que valen por toda una exposición. Y que no siempre son los que en ocasiones vemos, aislados, en los museos; pero hay excepciones a esta regla, como cuando nos traen a casa el “Inocencio X” de Velázquez. Hace unos pocos años, ese retrato inaudito visitó temporalmente el Museo Nacional del Prado. El problema, en casos así, es hacer cola o buscar la recomendación para lograr verlo con mayor tranquilidad, sobre todo si vives fuera de Madrid. O acordar fecha y hora….. que se reduce a ¡cinco minutos! y en grupo. Son los problemas derivados del marketing de la cultura de masas.

 

Retrato de Inocencio X
Oleo / lienzo, 140 x 120 cm. Diego Velázquez, Agosto de 1650, Galería Doria Pamphili. Roma (Italia)

Cabe el consuelo de viajar a Roma, o de aprovechar un viaje allá, para acercarse por el Corso hasta el número 305, muy cerca de la Piazza Venezia y entrar por un pasaje relativamente bien señalizado al excepcional Palazzo Doria-Pamphili, que alberga a la también conocida como Galería Doria-Pamphili. Allí, un día de labor y a una hora cómoda, pongamos a media mañana, tiene uno la inmensa fortuna de llegar, casi en solitario, al camarín que lo alberga y que fue construido ex profeso en el siglo XIX. Allí está el Inocencio X (nacido Giovanni Battista Pamphili) de Velázquez, realizado en el verano de 1650, en compañía únicamente del busto que le ejecutó Bernini. Y está para uno sólo, si tienes esa fortuna. Nadie va a importunarte; nadie vendrá a “empujar” para que termines y te vayas. Nadie te dirá, ¡qué horror!, que tus 5 minutos se han terminado. Puedes estar media hora o más tiempo y disfrutar de tan increíble fortuna. Podrás meditar el arte como pocas veces en la vida. Y ante semejante magnitud, la pregunta: ¿cómo creer que el pintor de un cuadro como éste no había alcanzado todavía su cumbre? ¡claro que la alcanzaba!. Terminado el festín y renovados internamente por tal ilusión creadora, después de todo, al despertar de la meditación y del sueño del tiempo y salir al Corso, sólo una buena Osteria o Trattoria logrará atemperar debidamente la “vuelta al mundo”, y si has elegido bien, a tu reconfortado espíritu.

Semejante “exposición única” ¿sería visitada por Goya?; ¿vería el aragonés esta maravilla de retrato?. Lo ignoro, pero debió verlo; máxime conocida la admiración de Goya por su compatriota Diego Velázquez. Y porque allí estaba Goya , en la Roma de 1770, cuando realizó su viaje a Italia, a la manera del buen y aplicado artista europeo en su particular grand tour. No tiene más que 24 años. Esto supone, según la ley común de la época, 26 años todavía por sufrir. Pero como se trata de un prodigio genético, le restan todavía, en realidad, 58 años de arte meditado.

Escribe Katharina Hegewisch. “el arte sitúa un espejo frente al individuo ante quien aparecen el reflejo de sus nostalgias, de sus problemas, de sus angustias y de sus utopías; vuelve lo privado público y permite vivir experiencias por procuración. Funciona como un sismógrafo que registra las fluctuaciones de la existencia; nos obliga a mover, desasegura, excita y provoca. “ (l’Art de l’exposition, Ed. Du Regard. Paris. 1998).

Pues bien, a día de hoy por poco aficionado a las bellas artes que seamos, todos hemos visitado exposiciones que quedaron grabadas en nuestra retina y memoria, y otras que rápidamente fueron olvidadas, justa o injustamente. Y añade Hegewisch que “cada uno recibe el arte de manera diferente. Saber si una exposición será percibida como un templo, un infierno o una feria, si se transformará en triunfo o en fiasco financiero, esos son los elementos sobre los que no se puede influir más que parcialmente. El éxito es un concepto relativo, que para el organizador se define de manera diferente que para el artista o el público.”

Como decíamos más arriba, hay cuadros que valen por toda una exposición, pero quizás tan importante, o más, es saber reunir las obras de arte y darles un valor añadido si ello fuera posible. Se trata de una plusvalía intelectual y moral que se constituye en un derecho inalienable. Me refiero a aquellos comisarios de exposiciones con criterio expositivo que saben cómo hacerlo; tienen esa capacidad, esa nobilísima virtud que les hace responsables del contenido y de la forma de la exposición, así como de la puesta en escena. Ciertamente también los hay, por infortunio, cuya gracia reside en lugares innombrables del cuerpo humano y que nos proporcionan la desdicha de componer auténticos bodrios, confeccionados a base de buenas obras de arte o, peor todavía, en extrañas macedonias de buenas y malas obras. Sí, es toda una desgracia que ciertos bien intencionados pero poco hábiles mecenas encomienden torpemente, a personajes de segunda categoría, tareas que en lugar de procurar buenos ejemplos terminen convirtiéndose en el canon de lo repudiable. En el mejor de los casos será una triste pérdida de tiempo, y de dinero, que van directos al olvido.

Somos testigos involuntarios de casos así y lamentamos la extrema insuficiencia y el cómo algunos disponen las cosas completamente al revés; como nunca debió hacerse, ni siquiera intentarse. Y nos preguntamos ¿cómo se le ocurre semejante majadería a este genio? ¿pero dónde tiene los ojos?. Y ni siquiera consuela saber que no sólo ocurre con las exposiciones, también en el cine, en el teatro, en la edición y en tantas otras disciplinas o situaciones ácidamente llamativas.

Regresando a la colección Doria-Pamphili, desde el XIX cuenta con el camarín construido sólo para albergar el famoso retrato velazqueño y parece ser que desde el siglo XVIII hay en esa benemérita institución un documento que detalla con precisión la colocación que debe tener cada cuadro, según criterios de simetría y afinidad estilística. ¿No está mal, no?. Pero tampoco se pueden pedir peras al olmo, ni fórmulas que proporcionen métodos infalibles. El libre albedrío, la coincidencia afortunada, el sentido de la proporción, el número aúreo, el ojo entrenado, la visión espacial, el conocimiento del artista y su obra, la veteranía, la simetría, el tiempo, la vocación bien dirigida, el saber asimilado, la virtud de distinguir, el gusto, la oportunidad, los guiños de la inteligencia, la orientación, los sentidos bien entonados, el olfato, la vista, la meditación del arte, el oído, la afinidad estilística, la iluminación, el significado del color, la forma y la proporción, la sensibilidad, el contorno, la humedad e incluso el magnetismo….. objetiva y subjetivamente valen y son utilizados simultánea y sucesivamente por quienes pueden y quieren hacerlo. Y podríamos añadir más y más condicionantes presididos por el estudio y la buena educación, pero citado el magnetismo, aunque pueda estar sacado de contexto, permítaseme destacar un párrafo que me ha conmovido del libro “Señor del mundo” , de Robert Hugh Benson (Ediciones Cristiandad. Madrid, 2013) . Dice así:

……….“Gradualmente se dio cuenta de que esta muchedumbre era como ninguna otra que hubiera visto. Para su sentido interno, parecía que presentaba una unidad mayor que cualquier otra. Notaba magnetismo en el aire. Algo así como la sensación de que estuviese en proceso un acto creativo, por el cual millares de células individuales estuvieran siendo amalgamadas más y más cada instante en un enorme ser sensitivo con voluntad, emoción y conciencia. El clamor de las voces parecía tener sentido tan solo como las reacciones del poder creativo que se expresaba a sí mismo.”

Sí, esas muy pocas obras de arte aisladas del mundo; esas exiguas exposiciones cuya coherencia interna emite magnetismo, emociones y espiritualidad manifiesta; que ciertamente las hay, que pueden verse y disfrutarse; que enseñan coraje intelectual y muestran la audacia de sus organizadores y que son lo que ejemplarmente distingue a unos museos de otros, a unas instituciones de otras, a unos mecenas de otros, a unos comisarios de otros. Pero no es preciso eliminar de un brochazo todo lo que no alcanza la excelencia. Basta, y sobra, con no decir al mundo: mirad, mi obra, mi exposición es maravillosa, ejemplar y magnífica. En lugar de deplorar su extrema insuficiencia y pedir muy humildemente perdón. Basta con un mínimo de prudencia, de modestia, de humildad ante un trabajo bien intencionado; sobra toda soberbia. Los grandes lo saben y practican. Los que no lo son, para nuestra desgracia, todavía lo ignoran. No nos dejemos confundir.

 

Gonzalo de DiegoThere are pictures that are worth for the entire exhibition. And are not always those we occasionally see, isolated, in museums; but there are exceptions to this rule, as when bring us home the «Innocent X» by Velázquez. A few years ago that outrageous portrait temporarily visited the National Prado Museum. The problem, in such cases, is queuing or seeks recommendation to do it with peace of mind, especially if you live outside of Madrid. Or establishing a date and time… that comes down to five minutes! And being part of a group. They are the problems derived from the mass culture marketing.

 

Portrait of Innocent X
Oil on canvas, 140 x 120 cm. Diego Velázquez, 1650. Galleria Doria Pamphili. Roma (Italy)

You have a consolation travelling to Rome though, or take the chance during a trip there, to go along the Corso until the number 305, very close to Piazza Venezia, and enter a passage relatively well signposted to the exceptional Palazzo Doria-Pamphili, which hosts the also known as Doria-Pamphili Gallery. There, a labour day and at a convenient time, let’s say by noon, is for one the immense fortune to arrive, mostly solo, to the dressing room that houses it and which was purposed built in 19^th century. There is the Innocent X (born Giovanni Battista Pamphili) by Velázquez, performed in the summer of 1650, in the only company of the bust executed by Bernini. And it is for one only, if you have that fortune. Nobody is going bothering you; No one will come to «push» so you’re done and you go. No one will tell you ‘what an horror!’ or that your 5 minutes have been completed. You can stay half an hour or longer and enjoy such an incredible fortune. You can meditate art as few times in life. And to this magnitude, the question: how to believe that a picture painter like this had not reached yet its summit? Of course he reached it! Finished the feast and renewed internally by such creative illusion, after all, you hope to wake up the meditation and the dream of the time and back at the Corso only a good Osteria or Trattoria will be duly temper «around the world», and if you have chosen good, your spirit comforted.

Goya would visit such “unique exhibition”? Would the Aragonese see this marvel of portrait? I do not know it, but he must have seen it; especially knowing Goya’s admiration by his compatriot Diego Velázquez. And because there was Goya, in Rome of 1770, when he made his trip to Italy, in the manner of the good and applied European artist in his particular grand tour. He has no more than 24 years. This means, according to the common law of that time, 26 years yet to suffer. But as he is a genetic prodigy, is remaining still, indeed, 58 years of thoughtful art.

Writes Katharina Hegewisch «The art puts a mirror against the individual to whom appears the reflection of his nostalgia, of his problems, his troubles and utopias; Returns the private public and allows to live experiences by proxy. It functions as a seismograph that records the fluctuations of existence; it forces us to move, unlock, excites and provokes. «(l’Art de l’exposition, Ed. Du Regard.)» Paris. 1998).

So, today for little fan to fine arts we may be, all have visited exhibitions which were recorded in our retina and memory, and others that were quickly forgotten, fairly or unfairly. And Hegewisch added, «Each one receives the art differently. Knowing if an exhibition will be perceived as a temple, a hell or a fair, if it will be transformed in triumph or in financial fiasco, those are the elements on which not can influence but partially. Success is a relative concept, which for the organizer is defined differently that for the artist or the public.»

As mentioned above, there are pictures that are worth for the entire exhibition, but perhaps as important, or more, is to know how to meet the artworks and give them and added value if even possible. It is a moral and intellectual added value that constitutes an inalienable right. I am referring to those curators with exhibit criteria that know how to do it; they have that capacity, that noble virtue that makes them responsible for the content and shape of the exhibition, as well as the staging. Certainly there are them, by misfortune, whose grace resides in countless places in the human body and that provide us with the misfortune to compose real clunkers, made based on good artworks or, even worse, rare mix of good and bad works. Yes, it is all a disgrace that some well-meaning but little capable patrons entrusted awkwardly, to second-rate characters, tasks that rather than seek good examples end up becoming a canon for the reprehensible. In the best of cases, will be a sad waste of time and money, going straight to oblivion.

We are involuntary witnesses of cases like this and regret the extreme insufficiency and how some have things completely upside down; as it should had never be done, or even attempted. And we wonder how can they think such folly to this genie? But, where have the eyes? And we are not even consoled when knowing that this not only occurs with exhibitions, but also in cinema, theatre, in publishing and in so many other disciplines or acid striking situations.

Returning to the Doria-Pamphili collection, since the 19^th it has the dressing room built just to host the famous portrait of Velázquez and seems that from the 18^th century there is in that well-deserving institution a document detailing precisely the placement that should have every picture, according to criteria of symmetry and stylistic affinity. It isn’t bad, is it? But you cannot squeeze a rock, or set formulas to provide infallible methods. Free will, the lucky coincidence, the sense of proportion, the golden number, the trained eye, the spatial vision, knowledge of the artist and his work, the experience, symmetry, time, well directed vocation, assimilated knowledge, virtue of distinguishing, taste, the opportunity, the winks of intelligence, guidance, well toned senses, sense of smell, viewing, meditation on art, hearing, stylistic affinity, the lighting, the meaning of colour, shape and proportion, sensitivity, contour, moisture and even the magnetism… objectively and subjectively worth and are used simultaneously and successively by those who can and want to do it. And we could add more and more constraints presided over by the study and good education, but cited the magnetism, even though it may be taken out of context, allow me to highlight a paragraph that has touched me from the book «Lord of the World», by Robert Hugh Benson (Christianity Editions. Madrid, 2013). It reads as follows:

… «Gradually realized that this crowd was like no other that had seen. To his inner sense, it appeared presenting one greater than any other unit. I could feel the magnetism in the air. Something like the feeling that was in process a creative act, whereby thousands of individual cells were being amalgamated more and more every moment in a huge sensitive being with desire, emotion and consciousness. The voices cry seemed to make sense only as the reactions of the creative power that expressed to himself.»

Yes indeed, those very few works of art cut off from the world; these meagre exhibitions whose internal coherence issues magnetism, emotions and manifest spirituality; that certainly are, that can be seen and enjoyed; that teach intellectual courage and show the audacity of its organizers and that are what exemplary distinguishes a few museums, institutions, patrons and organizers from others. But there is no need to remove with a stroke everything that does not reach excellence. It’s enough and excess not saying to the world: look, my work, my exhibition is wonderful, magnificent and exemplary. Instead of deploring its extreme inadequacy and very humbly ask for forgiveness. It’s enough with a minimum of prudence, modesty and humility before a well intentioned work; spare all pride. The greatest know and practice. Those who are not, to our misfortune, still ignore it. Let us not be confused.

 

Gonzalo de Diego